Комедия дель арте в живописи рококо
Яркие персонажи, основные сцены, импровизированные диалоги и представления на открытом воздухе были ключевыми особенностями commedia dell’arte. Её юмористические сюжеты часто вращались вокруг испытаний и несчастий молодых влюблённых.
Актёры, не ограниченные чёткими линиями, могли формировать свои представления в соответствии с требованиями аудитории; они часто принимали участие в политических комментариях и народном юморе, который обходил цензуру. Итальянская театральная форма также стала идеальной темой для движения рококо XVIII века.
Commedia dell’arte, или комедия профессиональных артистов, была чрезвычайно популярна в Европе с XVI по XIX век как музыкальный театр. Она возникла в северной Италии XV века как реакция против эрудитской комедии, учёного и элитарного типа театра, а затем быстро распространилась по всему континенту и Британским островам.
Художники, работавшие в стиле рококо, создавали легкомысленные, игривые сцены любви и флирта, которые часто разворачивались в идиллической обстановке на открытом воздухе. Некоторые из самых известных работ французских художников Антуана Ватто и Николя Ланкре, а также итальянца Джованни Доменико Тьеполо — это жанровые картины, которые привлекают внимание благодаря включению в них фигурок из комедии дель арте.
Отец рококо
Странствующие труппы обожали при иностранных дворах, особенно во Франции, и художники брались за кисть, чтобы запечатлеть такие сцены в красках. Самым известным художественным популяризатором темы commedia dell’arte был Ватто (1684–1721), один из самых значительных французских художников XVIII века, который считается отцом живописи рококо.
Стиль рококо зародился в Париже. Его название происходит от французского слова rocaille, что переводится как камень или разбитая раковина. Для него характерны мягкие, приглушённые цвета, изогнутые, асимметричные линии, очаровательные цветочные композиции, элегантные сюжеты и небольшие по размеру полотна. В композициях соблюдается баланс между орнаментальностью и натурализмом, они воспевают досуг и любовные утехи.
Новая категория живописи, изобретённая в эту эпоху Ватто, известна как fête galante» На этих полотнах изображены утончённые аристократы и театральные фигуры в зелени воображаемых пейзажей. В то время как последующие художники, взявшие на вооружение эту категорию, создавали праздничную обстановку, работы Ватто отличаются загадочной тоской.
Прекрасным примером стиля и атмосферы Ватто является новаторский шедевр «Меззетин» в Метрополитен-музее, ранее находившийся в коллекции Екатерины Великой. Одноимённая фигура — это комический архетип из комедии дель арте, который всегда изображается коварным и навязчивым, но при этом влюблённым и сентиментальным. Атрибут безответной любви подчёркивает виднеющаяся невдалеке женская статуя, повернувшаяся к Меццетину спиной. На нём костюм, традиционно связанный с этим персонажем: воланчик, короткая накидка, полосатый пиджак, рюш и бриджи до колен, которые прекрасно прорисованы. Костюм выполнен из серо-голубого, розового и белого шёлка.
Мецетин изображён сидящим у здания на каменной скамье в пышном саду. Наклонив голову, он тоскливо смотрит вдаль, тоскуя о любви, и играет на гитаре. Ватто тонко прорисовал небритое лицо и большие руки Меццетина. Жизненные, детальные качества, которые Ватто уловил, удивительно хорошо сохранились на трогательной картине. Его художественная практика заключалась в том, чтобы работать с внимательно наблюдаемых моделей. Подготовительный рисунок головы персонажа также находится в коллекции Метрополитен-музея.
Большая часть жизни Ватто остаётся окутанной тайной. Несмотря на провинциальное происхождение, врождённый талант и оригинальность способствовали его карьере. Он был принят в Академию в возрасте 20 лет и имел выдающихся частных клиентов.
Перрин Стейн, куратор Метрополитен-музея, объясняет: «Сладость его палитры, дань уважения Рубенсу и колористике венецианской живописи XVI века, переделанной в нежные пастельные тона, чтобы соответствовать масштабу и эстетике декора рококо, получила широкое распространение». Хотя Ватто умер в 36 лет, он оказал огромное влияние на следующее поколение художников во Франции, особенно на Ланкре (1690–1743).
Сцена из комедии дель арте
Ланкре, сын кучера, родился в Париже и всю свою жизнь прожил в столице. Он намеревался стать историческим живописцем, что в то время считалось самой престижной категорией живописи. Во Франции XVIII века «жанровой живописью» называли все другие сюжеты, кроме истории, и Ланкре стал одним из самых значительных художников, работавших в этой манере. У него также были влиятельные коллекционеры, в том числе Людовик XV Французский и Фридрих II Прусский.
Хотя он никогда не учился непосредственно у Ватто, Ланкре был сильно вдохновлён «Галантным праздником». Однако он оставил свой собственный след в этом жанре и ценится за то, что насытил свои работы современными элементами, остроумием и искусным использованием цвета. В 1720–1730-е годы он создал ряд работ с фигурами из комедии дель арте. Последнее десятилетие отмечено особенно хорошими картинами, такими как «Сцена из комедии дель арте с Арлекином и Пунчинелло» в поместье Уоддесдон Национального треста в Великобритании.
На этой работе модные дамы и девушки развлекаются и смешиваются с группой актёров комедии дель арте в живописном парке. Множество узнаваемых личностей показаны или предполагаются. Например, Пунчинелло, хитрый и язвительный, узнаваем по обхвату живота и высокой конической шляпе. Этот персонаж интерпретируется как олицетворение человека и его недостатков. Одетый в горчично-жёлтый костюм с синей и красной отделкой, Пунчинелло танцует перед своим доверчивым соперником Арлекином, который носит характерный костюм с яркими красными, зелёными и синими ромбовидными пятнами. Арлекин, как и большинство персонажей commedia dell’arte, выступает в маске, хотя Меццетин никогда её не надевал. Традиция носить маски возникла в древнеримских театральных комедиях.
Слева женщина в шляпе, которая театрально поднимает руку, может быть идентифицирована как Коломбина. Она умная и кокетливая романтическая партнёрша Арлекина. Персонаж Пьеро сидит на другой стороне полотна, одетый в типичную для него белую одежду. Его черты — добродушие, но наивность, влюбчивость и меланхолия. Исследователь Метрополитен-музея Дженнифер Мигер пишет:
«Этот персонаж был позже поддержан французскими литераторами XIX века, которые видели в творческом и одиноком Пьеро метафору современных художников».
В закрытой обстановке картины присутствуют реалистичные элементы, включая широкую лестницу в стиле рококо и вермикулированную стену (вид декоративного рустирования, при котором на камне высекаются изогнутые линии, напоминающие узоры, создаваемые червями). Конкретное место действия полностью вымышлено, подобно «Меццетину» Ватто, хотя так было не во всех картинах комедия дель арте (commedia dell’arte). Действие «Менуэта» Тьеполо (1727–1804), художника следующего поколения, происходит в его родном городе Венеции во время карнавала.
Менуэт Тьеполо
Джованни Доменико Тьеполо был сыном Джованни Баттиста Тьеполо, величайшего итальянского художника эпохи рококо. Тьеполо-младший начал свою карьеру в качестве помощника своего отца. Хотя его творческое наследие было заслонено отцом, который прославился сложными и изобилующими аллегорическими сценами, написанными на фресках, сын был искусным художником в своём роде. Сюжеты молодого Тьеполо современны, хотя и идеализированы.
Сюжеты молодого Тьеполо современны, хотя и идеализированы.
На картине «Менуэт», входящей в коллекцию Национального художественного музея Каталонии, изображены Коломбина (вариант Коломбины) и Панталоне, танцующие среди модных и маскарадных участников карнавала. Декорации — сад виллы, украшенной классическими скульптурами. На Коломбине — платье с бриллиантовыми узорами, напоминающее костюм Арлекина. Панталоне, главный персонаж commedia dell’arte, — венецианец. Он отличается скупостью, а его одежда состоит из чёрной мантии и красных бриджей и рукавов. В XVIII веке карнавал привлёк в Венецию множество европейских туристов.
Участники праздника надевали маски. Такая анонимность позволяла смешивать социальные слои. На сайте музея Хосеп Пуйоль-и-Колл подчёркивает, что художник «использует карнавал как предлог для описания обычаев и атмосферы, царящей среди окружающих его людей: общества, которое скрывало свой упадок и укрывалось за мимолётными появлениями, развлечениями и забавами».
Во время создания картины танец, известный как менуэт, был широко популярен. Это медленный, элегантный танец для двух партнёров в тройном времени. Представления комедии дель арте часто завершались менуэтом. Тьеполо использовал этот танец в качестве темы ещё в трёх картинах. Последнюю часть своей карьеры художник посвятил изображению Пунчинелло в обширном цикле рисунков и серии фресок. Творчество Тьеполо в жанре commedia dell’arte пронизано художественным чутьём, непочтительностью и иронией.
Эти работы Ватто, Ланкре и Тьеполо отдают дань преобразующему воздействию комедии дель арте и демонстрируют виртуозное мастерство каждого художника в создании вечной красоты.
Мишель Пластрик — арт-консультант из Нью-Йорка. Пишет на различные темы, включая историю искусства, рынок искусства, музеи, художественные ярмарки и специальные выставки.