Константин коровин – пионер в русском импрессионизме

Константин Коровин. Главный русский импрессионист Валентин Серов. Портрет К. Коровина. 1891 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Перед нами портрет Константина Алексеевича Коровина. Его написал Валентин Серов. В весьма...

Запись Константин коровин – пионер в русском импрессионизме впервые появилась Полит-грамота.

Константин Коровин. Главный русский импрессионист

Валентин Серов. Портрет К. Коровина. 1891 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Перед нами портрет Константина Алексеевича Коровина. Его написал Валентин Серов. В весьма необычной для себя манере.

Посмотрите на руку художника, ту, что лежит на полосатой подушке. Пара мазков. Да и все остальное, кроме лица, написано в манере самого Коровина.

Так Серов то ли пошутил, то ли, наоборот, выразил восхищение стилем Коровинской живописи.

Обратите внимание

Константин Коровин (1861-1939 гг.) для многих менее знаком, чем скажем Репин, Саврасов или Шишкин.

А ведь именно этот художник привнёс в русское изобразительное искусство совершенно новую эстетику – эстетику импрессионизма.

И мало того, что привнёс. Он был самым последовательным русским импрессионистом.

Да, мы можем увидеть у других русских художников период увлечения импрессионизмом. У того же Серова и даже Репина (убежденного реалиста между прочим).

Репин И.Е. Портрет Нади Репиной. 1881 г. Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева

Но лишь Коровин был верным поклонником импрессионизма всю жизнь. Причем очень интересен его путь прихода к этому стилю.

Как Коровин стал импрессионистом

Если вы не знаете биографии Коровина, то наверняка подумаете: “Понятно, художник побывал в Париже, проникся французским импрессионизмом и привёз его в Россию”.

Удивительно, но это не так. Первые его работы в импрессионистском стиле были созданы за несколько лет до поездки во Францию.

Вот одна из первых его подобных работ, которой сам Коровин очень гордился. “Хористка”.

Константин Коровин. Хористка. 1883 г. Государственная Третьяковская галерея

Некрасивая девушка написана на открытом воздухе. Как и полагается всем импрессионистам. Различимые, не спрятанные мазки. Небрежность и непринужденность письма.

Даже поза девушки импрессионистская – расслабленная, она немного завалилась назад. Долго позировать в такой позе тяжело. Только истинный импрессинист напишет ее быстро, минут за 10-15, чтобы модель не устала.

Но тут не все так просто. Обратите внимание, что подпись и дата отличаются друг от друга. Искусствоведы всегда сомневались, что Коровин мог создать такой шедевр в 1883 году. То есть в 22 года!

И предполагают, что художник намеренно вводит нас в заблуждение, проставив более раннюю дату. Тем самым “застолбив” за собой право называться первым русским импрессинистом. Который стал создавать подобные работы задолго до экспериментов своих коллег.

Даже если это так, факт остаётся фактом: свои первые работы в стиле импрессионизма Коровин создал до поездки во Францию.

Счастливчик с непростой судьбой

Друзья Коровина всегда восхищались «лёгкостью» художника. Он всегда был в хорошем настроении, много шутил, обладал компанейским характером.

«У этого человека всё хорошо» – думали окружающие… И так сильно заблуждались.

Ведь жизнь мастера состояла не только из творческих побед, а ещё и череды настоящих трагедий. Первая из которых разразилась ещё в детстве – из купеческого богатого дома обнищавшие Коровины переехали в простую деревенскую избу.

Отец Константина Алексеевича так и не смог пережить этого и покончил собой, когда художнику было 20 лет.

Важно

В семье Коровина страсть к изобразительному искусству приветствовали – здесь все неплохо рисовали. И поэтому поступление юноши в 1875 году в Московское училище живописи, ваяния и зодчества выглядело вполне логичным.

Первым его учителем здесь был Алексей Саврасов. Причем очень даже лояльным учителем. Он совершенно не препятствовал экспериментам своего ученика. Даже когда тот написал “Речку в Меньшове”.

Константин Коровин. Речка в Меньшове. 1885 г. Государственный музей-заповедник Поленова, Тульская область

Широкое пространство, свет, разливающийся по полотну и … ни одной чёткой линии. Никакой повествовательности – лишь настроение.

Это было очень необычно для русской живописи того времени. Ведь “балом правили” реалисты – передвижники. Когда детализация, выверенный рисунок и понятный сюжет были основой всех основ.

Тот же Саврасов писал очень реалистично, дотошно выписывая каждую деталь. Вспомните хотя бы его знаменитых “Грачей”.

Алексей Саврасов. Грачи прилетели (фрагмент). 1871 г. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва

Но никаких гонений на Коровина не было. Просто его работы воспринимали, как этюдность, намеренную незавершённость. Которая вполне может нравится публике.

Константин Коровин. Морской берег в Дьеппе. 1911 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Коровин и театр

Большинство работ Коровина – импрессионистские. Однако он пробовал себя и в ещё одном стиле.

В 1885 году Коровин знакомится с Саввой Мамонтовым, и тот приглашает его оформлять спектакли. Сценография, конечно, отразится и на его живописи.

Так на его знаменитой картине «Северная идиллия» можно заметить, что фигуры героев лишены трёхмерности. Они как часть плоской декорации, вписанные в широкий объёмный пейзаж.

Константин Коровин. Северная идиллия. 1986 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

“Северная идиллия”, конечно, шедевр. Который создан под влиянием работы в театре.

Однако Александр Бенуа (историк искусства) считал, что Коровин растрачивает свой талант на второстепенные работы в виде театральных декораций. Что ему было бы лучше сосредоточиться на своём неповторимом стиле.

Личная жизнь русского импрессиониста

А что с личной жизнью у Коровина? Всю жизнь он был женат на Анне Фидлер. Ее можно увидеть на картине «Бумажные фонари».  Но историю их семейной жизни нельзя назвать счастливой.

Константин Коровин. Бумажные фонари. 1896 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Первый их ребёнок умер ещё в младенчестве, а второй мальчик в 16 лет стал калекой. Попав под трамвай, он лишился обеих ног.

С этих пор вся жизнь Алексея Константиновича (а он тоже был художником) представляла собой череду депрессий и попыток суицида. Последняя из которых, уже после смерти отца, достигла цели.

Совет

Всю жизнь Коровин выбивался из сил, чтобы обеспечить лечение сына и жены (она страдала грудной жабой). Поэтому никогда не отказывался от второстепенных работ: дизайн обоев, оформление вывесок и прочее.

Как вспоминали его друзья, он работал без передыху изо дня в день. Удивительно, как он успевал ещё и шедевры создавать.

Лучшие шедевры

Коровин любил гостить на даче в Жуковке у художника Поленова.

Здесь появилась замечательная работа «За чайным столом», где мы можем увидеть членов семьи Поленовых и их друзей.

Константин Коровин. За чайным столом. 1888 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Посмотрите, насколько здесь все по-импрессионистски. Мы видим справа пустой отодвинутый стул. Будто художник встал и тут же запечатлел происходящее. А сидящие даже не обратили на это внимания. Они заняты своими делами и разговорами. Слева “кадр” и вовсе обрезан, как на фото, сделанной в спешке.

Никакого позирования. Лишь мгновение жизни, выхваченное и увековеченное художником.

Полотно «В лодке» написано там же, в Жуковке. На картине – художник Поленов и сестра его жены Мария Якунченкова, тоже художница.

Это уникальный пример изображения единства человека и природы. Картину можно рассматривать бесконечно, ощущая неспешное движение воды и шелест листьев.

Константин Коровин. В лодке. 1888 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Большим другом Коровина был Фёдор Шаляпин. Мастер написал удивительный портрет великого оперного баса.

Конечно, Шаляпину очень к лицу импрессионизм. Его жизнерадостный и энергичный характер этот стиль передаёт как нельзя лучше.

Константин Коровин. Портрет Шаляпина. 1911 г. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Константин Алексеевич много путешествовал по Европе вместе с труппой Мамонтова. Здесь он находил новые необычные сюжеты.

Обратите внимание

Чего только стоят его «Испанки Леонора и Ампара». Изобразив двух девушек у балкона, он смог передать всю национальную суть Испании. Любовь к яркому и … чёрному. Открытость и … скромность.

И здесь Коровин вполне себе импрессионист. Он сумел остановить мгновение, когда одна из девушек покачнулась и опёрлась на плечо подруги. Этакая неустойчивость делает их живыми и непринужденными.

Константин Коровин. У балкона. Испанки Леонора и Ампара. 1888-1889 гг. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Париж по-русски

Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Коровин писал Париж самозабвенно. Так, что и не каждому французскому художнику удавалось.

Мазки его словно попадают в вихрь, образуя красочную массу. В которой мы еле различаем фигуры, тени, окна домов.

Буквально один шаг до абстракции, чистых эмоций без примеси реального мира.

Константин Коровин. Париж. 1907 г. Пензенская областная картинная галерея им. К.А. Савицкого

Посмотрите, насколько по-разному бульвар Капуцинок написали Клод Моне и Коровин. Особенно различны цветовые решения. Моне – это сдержанность, спокойствие. Коровин – смелость, яркость.

[easy-image-collage id=7860]

Сверху: Клод Моне. Бульвар Капуцинок. 1972 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва. Снизу: Константин Коровин. Бульвар Капуцинок. 1911 г. Третьяковская галерея, Москва

Однажды Коровин стоял с мольбертом на улице Парижа и рисовал. Русская пара остановилась, чтобы посмотреть, как работает художник. Мужчина прокомментировал, что все-таки французы очень сильны в колорите. На что Коровин парировал “Русские не хуже!”

В отличие от многих импрессионистов, Коровин никогда не отказывался от чёрной краски. Иногда используя ее очень обильно. Как, например, на картине “Итальянский бульвар”.

Вроде и импрессионизм, но очень чёрный. Такого у Моне или даже Писсарро (который много писал Парижские бульвары) вы не увидите.

Константин Коровин. Итальянский бульвар. 1908 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Без России

В послереволюционной России Коровину не нашлось места. По убедительному совету Луначарского, художник покинул родину.

Там он по-прежнему много работал, писал картины, был в центре светского общества. Но…

Евгений Лансере (русский художник, брат художницы Зинаиды Серебряковой) вспоминал, что однажды он встретил Коровина на одной из Парижских выставок.

Тот стоял у какого-то русского пейзажа и обливался слезами, причитая о том, что никогда больше ему не увидеть русских берёзок.

Важно

Коровин безумно тосковал. Покинув Россию, он так и не смог её забыть. Жизнь художника закончилась в Париже в 1939 году.

Сегодня искусствоведы ценят Коровина за импрессионизм в русском искусстве, а зритель…

Константин Коровин. В саду. Гурзуф. 1913 г. Государственная Третьяковская галерея

Зритель любит художника за волшебное сочетание цвета и света, которые заставляют подолгу стоять у его шедевров.

Проверьте свои знания, пройдя онлайн-тест «Импрессионисты».

Пионер русского импрессионизма

Константин Алексеевич Коровин родился 5 декабря 1861 года в Москве, на Рогожской улице, в доме деда Михаила Емельяновича Коровина, московского купца первой гильдии. Дед разбогател в ямском извозе.

Отец Константина, Алексей Михайлович, получил университетское образование, неплохо рисовал. Мать, Аполлинария Ивановна, урожденная Волкова, увлекалась музыкой, играла на арфе, рисовала акварелью.

Первые навыки рисования Константин и его старший брат Сергей, будущий известный художник-реалист, получили в семье.

В 1875 году Константин поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества на архитектурное отделение. «Мне пришлось сильно нуждаться, — вспоминал художник о годах учебы, — уже пятнадцати лет я давал уроки рисования и зарабатывал свой хлеб». Через год Коровин перешел на живописное отделение.

Позднее Коровин вспоминал наставления Саврасова: «Ступайте писать, пишите этюды, изучайте, главное — чувствуйте…» Под влиянием Саврасова Константин пристрастился к пейзажу. Уже в училище он, стараясь сохранить свежесть впечатления, заканчивает свои работы непосредственно на натуре.

Большей частью пейзажи Коровина — это удачно выбранные и метко зафиксированные уголки природы. Таким пленительным «куском» природы является небольшая картина «Мостик», отличающаяся свежестью восприятия, полная верного наблюдения натуры.

«В 1881 году я поехал в Петербург в Академию художеств и поступил в натурный класс, — вспоминает Коровин. — Чудные залы академической галереи, живые сфинксы на ее фоне — все это было заманчиво для меня серьезностью, полной высоких традиций духа… Но в самом деле в этой чудной Академии дух искусства был так мне чужд: условность по поводу несерьезного — работы каких-то театральных бутафорий».

Через три месяца Константин возвращается в Москву. В 1883 году Коровин награжден в училище малой серебряной медалью за этюд масляными красками. Еще через год ему присуждена малая серебряная медаль за рисунок с натуры.

Совет

В 1883 году молодой художник пишет картину «Портрет хористки», принесшую ему известность. Это был первый опыт импрессионистической живописи не только в творчестве Коровина, но и в русском искусстве.

Репин недоумевал: «Это живопись для живописи только, такое было бы позволительно испанцу, но у русского — к чему это?» Высказывание Репина произвело на Коровина столь сильное впечатление, что он записал его на обороте портрета хористки.

Коровин по праву считается первым импрессионистом в русском искусстве. Созданные им образы стали хрестоматийными. Он стал одним из тех художников, которые открыли новый этап в развитии русской живописи.

Русский импрессионизм. Константин Коровин

«Я твердо заявляю, что пишу не для себя, а для всех, кто умеет радоваться солнцу, бесконечно разнообразному миру красок, форм цветов, кто не перестает изумляться вечно меняющейся игре света и тени» 

Цитата, которая как нельзя лучше характеризует импрессионизм, принадлежит одному из замечательнейших русских художников конца XIX – начала XX века, ярчайшему представителю импрессионизма в России – Константину Алексеевичу Коровину.

Картины Коровина, наполненные светом, воздухом, самой жизнью оказались чем-то совсем новым, где-то непонятным, особенно в контексте творчества передвижников. Характерные для них идеи народничества, социальная направленность, реализм несколько оттесняли понятия красоты, света, яркости.

То есть как раз всего того, что на протяжении всей жизни так занимало Коровина, колориста и, поистине, поэта в живописи.

Будущий классик родился в 1861 году в состоятельной купеческой семье, которая к моменту поступления его в Московское училище живописи, ваяния и зодчества почти полностью разорилась. Молодой художник сильно нуждался и вынужден был зарабатывать себе на хлеб уроками рисования.

В училище Коровин учился в классе у А. Саврасова, чье влияние так заметно в ранних работах. Так, картина «Ранняя весна» явно перекликается и как бы продолжает тему знаменитых саврасовских грачей.

Именно под его влиянием Коровин начал интересоваться пейзажем, стараясь воплотить мельчайшие нюансы колебания воздуха и света. 

Когда Саврасов покинул училище, пейзажный класс принял у него В. Поленов, чье появление Коровин сравнивал со свежей струей.  Именно во время обучения у Поленова Коровину удалось создать полотно, которое во многом превосходило созданное учителями и современниками – «Портрет хористки».

Обратите внимание

  Уже в этой ранней работе видно влияние импрессионистов, о которых рассказывал учащимся Поленов.  В имении Поленова Жуковке летом 1887 и 1888 написан ряд полотен, некоторые из которых вызывают в памяти картины Ренуара – «В лодке», «За чайным столом», «Настурции». Именно Поленов познакомил Коровина и его товарища по училищу И.

Левитана с предпринимателем и меценатом С. И. Мамонтовым. С этого момента начинается работа Коровина в театре в качестве декоратора. Он выполняет декорации и эскизы костюмов к операм Верди, Бизе, Римского-Корсакова. В это же время Коровин совершает первую поездку за границу – в Испании и Францию, где более подробно знакомится с искусством импрессионистов.

Впечатления от Испании наиболее полно воплотились в работе художника «У балкона. Испанки Леонора и Ампара». 

Важное место в творчестве Коровина занимает природа севера. Неяркая, где-то суровая красота северных пейзажей очаровала художника и нашла свое отражение в картинах «Гавань в Норвегии», «Зима в Лапландии», «Мурманский берег». 

Благодаря кропотливой работе с оттенками серого цвета художнику удалось воплотить на своих полотнах характерные для северной природы прозрачность воздуха, легкое дыхание ранних сумерек, мягкую рассеянность солнечного света.

Уже вернувшись в Москву, под впечатлением от поездки Коровин создает одно из самых выразительных «северных» произведений – «Гаммерфест. Северное сияние». Необычное по форме, выполненное в виде панно, полотно удивительно точно передает все своеобразие этого природного явления.

  Ночь, узкий канал, рыбачьи лодки, почти осязаемая тишина и холод  и над всем этим – некое волшебное сияние. Форма панно выбрана художником не случайно: по приглашению Мамонтова Коровин приступает к оформлению Северного павильона на Всероссийской выставке 1896 года в Нижнем Новгороде.

Коровин работал увлеченно, стараясь «создать в просторном павильоне Северного отдела то впечатление, вызвать у зрителя то чувство, которое […] испытал там на Севере».  

Важно

В конце 1890-х художник снова приезжает в Париж, где создает этюды «Парижское кафе», в которых наиболее близко подходит к принципам импрессионизма. Неясность очертаний, яркость красок, переходящих одна в другую, сама жизнь в качестве сюжета – художник, несомненно, черпает вдохновение  у французских импрессионистов. 

В 1900 году Коровин оформляет для Всемирной выставки в Париже тридцать панно. Эта его работа была удостоена множеством наград, в числе которых наиболее важная во Франции – Орден Почетного легиона. Картины Коровина выставляют во многих городах Европы.

В начале XX века Коровин продолжает свое сотрудничество с императорскими театрами. В частности, оформляет декорации и создает костюмы к опере Ц. Пуни «Конек-Горбунок».

Коровин особенно любил работать над спектаклями со сказочным сюжетом, это давало больший простор для фантазии. Под влиянием работы в театре декоративность начинает проявляться и в станковой живописи.

Однако и в работе над театральными декорациями и над полотнами по-прежнему главное действующее лицо – цвет. Красочность полотен усиливается, Коровин пишет более размашисто, более свободно. 

В 1910-е годы среди пейзажных работ – средоточии воздуха и солнечного света – начинают появляться вечерние интерьеры, написанные в полумраке женские  силуэты – Коровин старается придать этим работам романтическую ноту.

Трагические события в России, болезнь единственного сына вынуждают художника в 1923 году вновь приехать в Париж, где он останется  навсегда. В Париже Коровин много работает, однако, большого успеха его работы не имеют.  Художник продолжает свою дореволюционную серию городских пейзажей, особенно  выразительно он пишет Париж ночью.

Совет

Эти его работы наиболее импрессионистичны. Коровину удается схватить мгновения жизни большего города, его яркость и переменчивость. 

Константин Коровин скончался в Париже от сердечного приступа в 1939 году. Последней его работой стал «Автопортрет». Настороженный, внимательный и вместе с тем какой-то печальный взгляд ускользает от зрителя — автопортрет удивителен по своей выразительности.

Значение творчества Коровина огромно. Именно он привнес в русскую живопись магию света и тени, эмоциональную ноту, непосредственность, кажущуюся неподготовленность.

  Коровин отошел от классических канонов живописи и писал то, что видел – саму жизнь во всей её красоте и переменчивости.  

Наталья Сивкова



К.А.Коровин — начало русского импрессионизма

Имя Константина Алексеевича Коровина (1861-1939) неразрывно связано со становление импрессионизма в России. В своём творчестве он воплотил некоторые характерные черты этого художественного направления, а именно: стремление передать ощущение от мгновенного состояния природы или человека, игру света и тени, и жизнерадостное восприятие жизни.

К.А.Коровин «Цветы. Гурзуф»

В тот период времени, когда художник начинал свой творческий путь, в России господствовало реалистическое направление в живописи ( главный принцип которого было повышенное внимание к сюжету произведения, чем к его живописному воплощению) был чужд мастеру.

Всё что излучало красоту, притягивало взгляд молодого художника.

Передвижники, постоянно поглощённые исканиями социальной правды, признав со временем талант Коровина, всё-таки отказывались принять его в ряды товарищества, считая, что всё своё время он тратит на чепуху.

Коровин продолжал начатую его учителями Саврасовым А.К. и Поленовым В.Д.

линию лирического пейзажа, пришёл к импрессионистическому восприятию натуры: использовал технику сфумато и писал с натуры, ещё до того как увидел произведения французских импрессионистов.

Палитра молодого художника была лаконична и чиста, он часто использовал серебристые тона, придавая краскам светоносность и воздушность, создавая единую цветовую гармонию.

К.А.Коровин «Осень»

Современники не сразу приняли художественный язык молодого художника, его грубая, небрежная, живописная техника, казалось им неумением писать.

К.А.Коровин «Портрет хористки»

В работах, выполненных в 80-х годах, чувствуется стремление решать, прежде всего, живописные задачи. Первым импрессионистическим произведением в русском искусстве является этюд «Портрет хористки» (1883), ставший крупным достижением русского искусства. Художник при помощи игры света на лице, платье, шляпке, пытался передать обаяние молодой, привлекательной, но не красивой женщины.

Обратите внимание

Немаловажное место в творчестве художника занимала театрально-декорационное искусство. Он создавал декорации для оперных, балетных и драматических спектаклей. Его, как и Бенуа А.Н., Головина А.Я., Бакста Л.С. и Малютина С.В. относят к реформаторам театральной живописи.

Он относился к спектаклю, как к единому сценическому пространству, где было важно всё от игры актёров, до их костюмов и декораций. Его талант театрального художника проявился в работах в частном театре Мамонтова. Впоследствии он возглавлял театрально-декорационную мастерскую Императорских театров.

За двадцать лет он оформил около 80 балетных, оперных и драматических спектаклей, создавал сценические образы для актёров: Шаляпина Ф.И., Неждановой А.В., Гельцер Е.В., Фёдоровой С.В., Ермолаевой М.Н. и других.

В 1890-х годах мастер работал в разных областях искусства. В станковой живописи этот период отмечен тяготением к этюдизму, вызывавший много критики. В этих небольших по размеру полотнах заключено всё очарование натуры и раскрываются впечатления художника от увиденного и любовь к жизни.

В это же время появляется его склонность к декоративизму, выражавшийся в яркости красок и широких мазках. В это же время у него начинается увлечение писать городской пейзаж. Синтез природы и города – мотив, который интересует Коровина.

На своих полотнах он часто изображает силуэты кораблей, стоящих в гаванях.

К.А.Коровин. Париж. Кафе де ля Пэ

Но наиболее полно тема города была затронута им в изображениях Парижа.

Интересно, что Париж у художника, в отличие от французских импрессионистов, изображен в вечернее или ночное время. Ни Моне, ни Писарро никогда не писали свой город ночью, а у Коровина «мировая столица искусств» изображена в огнях рекламы, уличных фонарей. Настроению толпы на улицах Парижа в картинах мастера придано ощущение театральности и зрелищности.

К.А.Коровин «Зимой»

Живописец также часто прибегал к написанию русской сельской местности, но в этих работах звучат мотивы, которые были свойственны художнику в раннем творчестве. На них мы видим всё тех же лошадей у дома, сараи, мостики и т.д.

В 1894 году Коровин участвовал в экспедиции на Север, снаряжённой Мамонтовым, а 1896 году он поручает живописцу декорирование Северного павильона для Всероссийской Нижегородской промышленной выставки.

Художник изобразил жизнь и природу русского севера на 10 декоративных панно, которые украшали внутреннее пространство павильона. В 1900-м году Коровина назначают главным руководителем по художественному оформлению русских павильонов для Всемирной Парижской выставки.

Важно

Для них он выполнил несколько больших декоративных, в отношении цвета, панно. За эту работу художник был отмечен 11 наградами и орденом Почётного легиона.

К.А.Коровин «Портрет Шаляпина»

Большинство коровинских портретов отличаются отсутствием психологизма. Но есть несколько работ, которые можно причислить к шедеврам портретного искусства, это портрет итальянского тенора Мазини, портрет Чичигова и портреты Шаляпина, написанные с большим артистизмом. Шаляпин был другом художника, Коровин часто писал его портреты, он изображал его в позе собеседника, продолжавшего разговор.

Особым периодом в творческой жизни художника стало его пребывание в Охотине, здесь выработался особый жанр пейзажа – ноктюрн.

С 1910 у художника появляется интерес к написанию натюрмортов, и как в других жанрах живописи он остаётся верен «декоративному импрессионизму». Натюрморты были всегда написаны насыщенными, глубокими цветами, Коровин часто их включал в пространство пейзажа и интерьера. Он часто писал цветы, рыбу, фрукты. В натюрмортах Коровин часто экспериментировал над цветом и формой.

К.А.Коровин «После дождя. Париж»

Он был талантливым педагогом, из его школы вышли будущие участники объединений «Голубая роза» и «Бубновый валет», несмотря на то, что все художники этих объединений творили в разных направлениях, но все они были отменными колористами.

В 1923 году он эмигрирует в Париж, где продолжает писать пейзажи и натюрморты, работать в европейских театрах. А в 1939 году он скончался.

Серов называл Коровина «Моцартом живописи». Живописное наследие Коровина оказало огромное влияние на последующее течение русского искусства. Он стал большой фигурой русского изобразительного искусства начала XX века, наравне с Врубелем и Левитаном.

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость — поделитесь

Русский импрессионизм: 5 выдающихся художников

История русского импрессионизма началась с картины «Портрет хористки» Константина Коровина, а также с непонимания и осуждения публики. Впервые увидев это произведение, И. Е. Репин не сразу поверил в то, что работа исполнена русским живописцем: «Испанец! Это видно. Смело, сочно пишет. Прекрасно. Но только это живопись для живописи. Испанец, правда, с темпераментом…».

Сам Константин Алексеевич начал писать свои полотна в импрессионистической манере еще в студенческие годы, будучи не знакомым с картинами Сезанна, Моне и Ренуара, за долго до своего путешествия во Францию. Только благодаря опытному глазу Поленова Коровин узнал, что использует технику французов того времени, к которой пришел интуитивно.

В то же время русского художника выдают сюжеты, которые он использует для своих картин, – признанный шедевр «Северная Идиллия», написанная в 1892 году и хранящаяся в Третьяковской галерее, демонстрирует нам любовь Коровина к русским традициям и фольклору.

Совет

Эту любовь художнику привил «мамонтовский кружок» – сообщество творческой интеллигенции, в которое входили Репин, Поленов, Васнецов, Врубель и многие другие друзья известного мецената Саввы Мамонтова. В Абрамцево, где располагалась усадьба Мамонтова и где собирались члены художественного кружка, Коровину посчастливилось познакомиться и работать с Валентином Серовым.

Благодаря этому знакомству творчество уже состоявшегося художника Серова приобрело черты легкого, светлого и стремительного импрессионизма, которые мы видим в одной из его ранних работ – «Открытое окно. Сирень».

 Портрет хористки, 1883

Северная идиллия, 1886

Черемуха, 1912

 Гурзуф 2, 1915

Пристань в Гурзуфе, 1914

Париж, 1933

Валентин Серов

Живопись Серова пронизана присущей только русскому импрессионизму чертой – в его картинах отражено не только впечатление от увиденного художником, но и состояние его души в данный момент.

Например, на картине «Площадь святого Марка в Венеции», написанной в Италии, куда отправился Серов в в 1887 году в связи с тяжелой болезнью, преобладают холодные серые тона, что дает нам представление о состоянии художника.

Но, несмотря на достаточно мрачную палитру, картина является эталонным импрессионистическим произведением, так как на ней Серову удалось запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

 В письме невесте из Венеции Серов писал: “В нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного, и буду писать только отрадное”.

После путешествия по Италии Валентин Серов возвращается в Абрамцево, где и создает свое самое известное и действительно «отрадное» произведение «Девочка с персиками», на котором изображена старшая дочь Саввы Мамонтова Вера.

На момент создания этого шедевра Серову было всего 22 года, но его профессионализм позволил наполнить свою работу сразу несколькими жанрами: на картине мы видим и портрет, и натюрморт, и пейзаж за окном. Вопреки канонам стремительного импрессионизма, Серов писал картину ежедневно около трех месяцев, чем, по его собственным словам, «измучил двенадцатилетнюю Верочку».

Но у зрителя все же создается впечатление, что девочка присела всего на минутку, и художнику удалось поймать момент и поделиться с нами своим мимолетным, светлым и счастливым впечатлением.

Открытое окно. Сирень, 1886

Площадь Св. Марка в Венеции, 1887

Девочка с персиками (Портрет В. С. Мамонтовой)

Коронация. Миропомазание Николая II в Успенском соборе, 1896

Девушка, освещенная солнцем, 1888

Купание лошади, 1905

Александр Герасимов

Одним из учеников Коровина и Серова, перенявшим у них экспрессивный мазок, яркую палитру и этюдную манеру письма, стал Александр Михайлович Герасимов. Расцвет творчества художника пришелся на время революции, что не смогло не отразиться в сюжетах его картин.

Несмотря на то что Герасимов отдал свою кисть на службу партии и прославился благодаря выдающимся портретам Ленина и Сталина, он продолжал работать над импрессионистическими пейзажами, близкими его душе.

 Работа Александра Михайловича «После дождя» открывает нам художника как мастера передачи воздуха и света на картине, чему Герасимов обязан влиянию своих именитых наставников.

Художники на даче у Сталина, 1951

Сталин и Ворошилов в Кремле, 1950-е

После дождя. Мокрая терраса, 1935

Натюрморт. Полевой букет, 1952

Игорь Грабарь

В разговоре о позднем русском импрессионизме нельзя не обратиться к творчеству великого деятеля искусства Игоря Эммануиловича Грабаря, перенявшему многие техники французских живописцев второй половины XIX века благодаря своим многочисленным поездкам в Европу.

Используя приемы классических импрессионистов, на своих картинах Грабарь изображает абсолютно русские пейзажные мотивы и бытовые сюжеты. Пока Моне рисует цветущие сады Живерни, а Дега – прекрасных балерин, Грабарь изображает теми же пастельными цветами суровую русскую зиму и деревенскую жизнь.

Больше всего Грабарь любил изображать на своих полотнах иней и посвятил ему целую коллекцию произведений, состоящую из более ста маленьких разноцветных набросков, созданных в разное время суток и при разной погоде. Сложность работы над такими рисунками состояла в том, что краска застывала на морозе, поэтому работать приходилось быстро.

Обратите внимание

Но именно это и позволяло художнику воссоздать «тот самый момент» и передать свое впечатление от него, что и является главной идеей классического импрессионизма.

Часто стиль живописи Игоря Эммануиловича называют научным импрессионизмом, потому как он придавал большое значение свету и воздуху на полотнах и создал множество исследований о передачи цвета. Более того, именно ему мы обязаны хронологическим расположением картин в Третьяковской галерее, директором которой он был в 1920-1925 годах.

Березовая аллея, 1940

Зимний пейзаж, 1954

Иней, 1905

Груши на синей скатерти, 1915

Уголок усадьбы (Луч солнца), 1901

Юрий Пименов

Совершенно неклассический, но все же импрессионизм развивался и в советское время, ярким представителем которого становится Юрий Иванович Пименов, пришедший к изображению «мимолетного впечатления в постельных тонах» после работы в стиле экспрессионизма.

Одной из самых известных работ Пименова становится картина «Новая Москва» 1930х годов – светлая, теплая, будто написанная воздушными мазками Ренуара. Но в то же время сюжет этой работы совершенно не сочетается с одной из основных идей импрессионизма – отказа от использования социальных и политических тем.

«Новая Москва» Пименова как раз великолепно отражает социальные изменения в жизни города, которые всегда вдохновляли художника. «Пименов любит Москву, ее новь, ее людей. Живописец щедро отдает это свое чувство зрителю», – пишет в 1973 году художник и исследователь Игорь Долгополов.

И действительно, глядя на картины Юрия Ивановича, мы проникаемся любовью к советской жизни, новым кварталам, лирическим новосельям и урбанистике, запечатленным в технике импрессионизма.

Творчество Пименова еще раз доказывает, что у всего «русского», привезенного из других стран, свой особенный и уникальный путь развития.

Так и французский импрессионизм в Российской империи и Советском Союзе вобрал в себя черты русского мировоззрения, национального характера и быта.

Импрессионизм как способ передачи одного лишь восприятия действительности в чистом виде остался чужим для русского искусства, потому что каждая картина русских художников наполнена смыслом, осознанием, состоянием переменчивой русской души, а не просто мимолетным впечатлением. Поэтому уже в следующие выходные, когда Музей Русского Импрессионизма заново представит основную экспозицию москвичам и гостям столицы, каждый найдет что-то д?