Эдвард Хоппер. Поэт эпохи
Эдвард Хоппер (Edward Hopper, 1882 – 1967) – американский художник, получивший известность лишь в последнии годы жизни, носит гордое звание «поэта эпохи». «Поэт пустых пространств», «мрачный соцреалист», художник, воспевающий одиночество… Каких только определений не давали Эдварду Хопперу за целый век. Его картины до сих пор называют жуткими, исполненными безнадеги, выискивая в них отголоски Великой Депрессии и Перл-Харбора. Сам же Хоппер лишь изредка вяло отмахивался от трагических сравнений и тяжеловесных эпитетов или вовсе не удостаивал критику своих работ комментариями. Он стремился отдалиться от людей и был очень замкнут.
Личность художника была сложной: замкнутый, молчаливый и вдобавок стеснительный. Нередко его картины связывают именно с этим. Ведь на них, как правило, изображены замкнутые пространства, одинокие люди, сумерки, безжизненные интерьеры и дороги, ведущие в никуда. Все это передает чувства отчуждения и изолированности, которые красной нитью проходят через его творчество.
Эдвард с детства очень любил рисовать и решил посвятить этому занятию всю свою жизнь. Родители, которые прививали детям художественный вкус, поощряли увлечение Эдварда живописью. Но когда юный Хоппер решил получить профессиональное образование, он, по совету отца, поступил в Нью-Йоркскую школу графики, чтобы иметь возможность работать в рекламном бизнесе и не нуждаться в деньгах. Выполнив долг примерного сына, Эдвард все же поступил в Нью-Йоркскую художественную школу, став учеником знаменитого американского реалиста Роберта Генри.
Поворотным моментом в художественной карьере Хоппера стали три поездки в Европу в 1906-1910 годах, главным образом – в Париж, где он был восхищен работами Поля Сезанна, Клода Моне и Эдуара Мане. Именно в этот период появляются на свет первые известные работы Хоппера. Но Париж на его картинах выглядит совсем не таким, как его принято изображать. Художник показал его не то, чтобы безликим, но совершенно неузнаваемым. Эта особенность отличает многие полотна художника: несмотря на уникальность и неповторимость, его сюжеты абсолютно универсальны.
К 1910 году большинство элементов стиля Хоппера родилось под влиянием Мане. Даже палитра Хоппера была очень похожа на палитру цветов импрессионистов, но немного осветленная. Но самое интересное — ко всему этому добавлялось неутомимое желание рисовать в стиле реализма. То есть просто изображать жизнь, окружающую его. Он говорил: «Когда я рисую, моя цель состоит в том, чтобы очень точно перенести на полотно мои самые сокровенные впечатления природы».
К середине 1920-х гг. Хоппер выработал собственную художественную манеру, которая не покидала его до конца жизни. Он любил черпать вдохновение на пустых автострадах и безлюдных улицах городов. Он изобрел свой собственный особый жанр — «портрет дома», или просто одиноко стоящие здания. Город, пустынный или лишенный жизни, стал излюбленной тематикой американского художника.
Сцены современной городской жизни на его полотнах всегда фотографически выверены. Одиноко застывшие неизвестные фигуры людей и четкие геометрические формы создают ощущение отчужденности, драматизма и одиночества. Практически не встречается портрет конкретного человека. Все, кто на картине — обобщенные и обезличенные городские жители.
Один из самых знаменитых американских художников ХХ века получил признание лишь в последние годы жизни. Его творческий путь был не похож на другие. Первая личная выставка состоялась, когда художнику уже исполнилось 37 лет. Оставаясь очень долго в тени не только в творческом, но и в личном плане, Хоппер женился лишь после сорока. Его жена Джозефин Нивисон вела прекрасный дневник, который впоследствии стал основным и едва ли не единственным источником информации о жизни художника. Несмотря на частые и бурные ссоры Джозефин смогла стать настоящим вдохновением для мужа. Она поддерживала его во многих начинаниях и записывала подробную информацию обо всех его произведениях, интересных задумках и событиях.
Хоппер оказал серьезное влияние на американскую поп-культуру. Фактически изобретя новый жанр – портрет дома – он сумел сделать здание главным действующим лицом картины («Дом на закате», 1935), и позже этот прием стали использовать в кинематографе. Хоппера называет одним из своих любимых художников режиссер Дэвид Линч, большой любитель пустынных автострад, загадочных домов и туманных намеков. Альфред Хичкок, Терренсе Малик и другие режиссеры не раз ориентировались на его полотна для создания правильной композиции и воссоздания атмосферы угрозы и одиночества. Считается, что даже голливудские стандарты построения кадра во многом сформировались под влиянием Хоппера.
«Полуночники» — одна из самых узнаваемых картин в американском искусстве. Тоскливая ночная нью-йоркская закусочная, мужчины в одинаковых костюмах, яркий свет, бросающий тень на очередной, вероятно безжизненный, многоквартирный дом, который нередко встречается на полотнах Хоппера. Эта картина была взята за основу в одной из сцен музыкального фильма «Гроши с неба» (1981) и четко прослеживается в таких кинолентах, как «Конец насилия» (1997) и «Американцы» (1992). В кинокартине «Бегущий по лезвию» (1982) Ридли Скотт попытался воссоздать атмосферу одиночества и уныния в своем городе будущего «нуар», опираясь именно на «Полуночников».
«Чоп суэй» часто считается самой совершенной картиной Эдварда Хоппера. Он обращается к чувствам и приглашает зрителя создать историю в своём уме. Фокусируясь на более спокойных моментах американской жизни, Хопер представляет повседневную сцену широкими мазками кисти и приглушёнными тонами. Вместо фотографического реализма, к которому стремились многие его сверстники, этот стиль вызывает эффект воспоминания или сна. Очаровательная и таинственная сцена установила рекорд как самая дорогая работа Хоппера, когда она была продана на аукционе Christie's в 2018 году чуть менее чем за 92 миллиона долларов.
Полотна Хоппера, даже те, на которых на первый взгляд абсолютно ничего не происходит, объединяет одна поразительная особенность: все они без исключения рассказывают зрителю историю. Причем каждому – свою, и каждый раз новую.